Textes accompagnant la résidence de Lucie Douriaud et Sinae Lee avec l'Institut Français de Roumanie, 2025.

Lucie Douriaud

Résidence à Cluj-Napoca du 29.09 au 29.10.2025
En partenariat avec Centrul Cultural Clujean et avec le support de la Faculté de Géologie UBB Cluj.

Avec sa résidence au Centrul Cultural Clujean à Cluj-Napoca, Lucie Douriaud poursuit son exploration des entrailles de la terre par un séjour au plus près de la matérialité de l’extractivisme. Dans la continuité de S(oil), réplique des champs pétrolifères au Texas, de the Next Oil #1 et #2, nourris par ses recherches sur les terres rares, l’artiste pressentait que la Roumanie, autant pour ses paysages, que pour l’histoire ancienne de leur exploitation, lui offrirait un terrain de recherche fécond. Fidèle à sa méthodologie d’aller-retour entre les échelles, elle a navigué entre le micro et le macro, du laboratoire à la mine.
Une première partie de ses recherches s’est déroulée à l’Université Babeș-Bolyai grâce à l’accueil de Călin Gabriel Tămaș, géologue, spécialiste des minerais métalliques. Des fragments de pierres polies – argent, covellite, bornite – ont été observés au microscope et photographiés. Là où le regard scientifique porté sur ces spécimens se focalise sur les propriétés chimiques, la pureté de leurs compositions et de leurs structures, l’œil de l’artiste s’arrête lui sur leurs imperfections : tâches d’oxydation, traces de doigt, reliquats de résine de manipulation, gouttelettes. Ces intenses variations de textures, matières et formes ont été immortalisées par des prises de vue microscopiques, et par des photographies à l’IPhone dans le binoculaire. Entre la documentation et la prise de vue artistique, Lucie Douriaud entrevoit dans ces clichés, la potentialité plastique de leur impression, à partir d’encres et de supports métalliques.
Ces images sont complétées par un autre ensemble, réalisé à partir des collections du musée départemental de minéralogie de Baia Mare. Les pierres présentées sont remarquables pour leur valeur géologique, mais aussi pour leur valeur financière. Outre les photographies, la visite au musée a aussi permis à l’artiste de prolonger son étude de la cristallographie en piochant différents schémas dans le contenu pédagogique, comme autant de compositions en devenir de sculpture.
Après cet ultra-zoom sur la matière minérale, elle a pu remonter la piste de leur origine grâce à des excursions. Une première dans une mine à ciel ouvert de Roșia Poieni. La montagne est grignotée sans répit pour produire du cuivre, transformé en poudre et envoyé en Chine. L’artiste a pu parcourir ce site métallurgique depuis le paysage en escalier creusé dans la roche, jusqu’au fond de la mine où stagne de l’eau bleue oxydée, en passant par la salle remplie de bassins de transformation dans lesquels le minerais est porté à ébullition pour en séparer le métal. Cet itinéraire au cœur du cycle de vie de la matière et ses métamorphoses apporte non seulement des réponses aux énigmes que son travail soulève en décortiquant des produits transformés, mais constitue aussi une expérience forte en émotions par la densité visuelle des textures, des couleurs, des reliefs. Loin d’une fascination morbide pour l’extractivisme, les observations de l’artiste sont, au contraire, traversées par une conscience aiguë, vécue ici physiquement, de la dévastation des milieux naturels. À quelques kilomètres de la mine, le lac de Geamăna reçoit les eaux usées prétendument dépolluées par une surcharge de Ph pour en réguler l’acidité. Lucie Douriaud a pu constater l’amalgame contre-nature entre ces eaux bleues cristallines et celles du lac, d’un noir intense à force d’être sursaturées d’acides. Malgré les couleurs automnales chatoyantes de la forêt alentour, le site est inquiétant, environnementalement sinistre.
Pour la suite des excursions, l’artiste s’est rendue dans deux grottes Peștera Urșilor et Peștera cu Cristale de la mine Farcu, ainsi qu’à l’ancienne mine de sel Salina Turda. Ici, la nature est exploitée, non pas pour les besoins de l’industrie, mais pour le tourisme ou les loisirs. Dans la première, de chambre en chambre, suivant les méandres des cavités, elle plonge dans des effets de texture et de reliefs, sculptés par l’eau et l’érosion. Dans la seconde et dans l’ancienne mine de sel, elle est saisie par les tons rouges ou translucides, et les marbrures des blocs, taillés à la main. Des photographies viennent fixer les stratifications et les contrastes perçus lors de ces expéditions souterraines.
Chaque soir, l’artiste retranscrit aux crayons métalliques sur papier noir, tous ces stimuli visuels, en des petits formats A6. Elle les mélange aux nombreux motifs et détails, géométriques et baroques, de l’architecture Clujoise qu’elle guette et relève dans ses déplacements quotidiens, amorçant ainsi une série de dessins, prémices de tissages à venir.

Sinae Lee

Résidence à Iași et Țibănești du 19.09 au 9.10.2025
En partenariat avec Borderline Art Space et l’Association Maria.

L’étincelle de départ de la résidence de Sinae Lee est une de ses photos de famille. Elle, enfant qui brandit devant l’objectif le signe V, pose à côté de sa mère, impassible. Deux générations, deux attitudes, qui bien des années plus tard, sont confrontées à leurs différences, traduites par des décalages de compréhension, des émois love & hate. L’artiste, installée en France, depuis plus de dix ans, fait de la distance – physique et affective – avec son pays natal et sa famille, la trame de ses actions, vidéos, installations.
En Roumanie, elle ouvre un chapitre porté par une volonté d’apaisement, d’atténuation du clash générationnel, en neutralisant le signe V. Geste du commun, il symbolise tantôt une victoire guerrière, tantôt le signe de ralliement des hippies, la mignonnerie kawaii, ou encore l’une des parades du chi fou mi. L’artiste empile toutes ces significations dans un objet totémique : une épée à deux poignées, surmontée d’une main, les doigts en l’air en forme de V. C’est l’épée du match nul, du compromis. Le but, pour qui partage cette épée, n’est pas de vaincre mais de s’entendre.
La résidence à Iaşi venait ponctuer ce récit, entre vécu individuel et histoire universelle, d’une phase de production grâce à la tradition d’artisanat du métal et du fer. Sinae Lee passe alors trois semaines dans un atelier de ferronnerie, dit « Batem fierul la conac », aux côtés de compagnons du devoir. Elle s’immerge dans la vie de l’atelier, de la routine de travail, à la camaraderie, en passant par l’apprentissage des techniques rudimentaires. C’est une expérience physique et sensorielle à plusieurs titres : d’une part, l’atmosphère sonore est saturée de bruits, secs et répétitifs des coups de marteaux, d’autres ronronnant comme celui du ventilateur qui permet de contrôler la température des fours ; d’autre part, elle se confronte à l’exigence des gestes du métier, à la force nécessaire pour chauffer, marteler le métal. Elle enregistre par la vidéo ou par la photographie, les micro-évènements qui se tissent en pointillé de l’image d’ensemble telle qu’on se l’imagine, des corps au travail, du duo homme-technique. Elle piste les bruits de fond, les mini-poussières de carbone qui brillent dans le soleil du matin.
C’est une attention portée sur le discret et le sous-jacent, une méthodologie qu’elle applique à sa propre expérience de résidence. Avec l’aide technique des compagnons d’atelier, elle produit une première version de son épée, qui au-delà du résultat formel en lien avec son idée initiale, encapsule les strates relationnelles et empiriques qui se sont sédimentées au fil de la résidence. Bien qu’y ayant apporté ses envies de production plastique, Sinae Lee s’est laissée traversée par le contexte et les éléments en présence.
Elle a été intriguée par exemple par l’observation de nombreuses maisons inachevées dans les environs de l’atelier. Le « on dit » explique qu’elles sont le fruit d’allers-retours successifs de saisonniers entre l’Italie ou l’Allemagne et la Roumanie. Les maisons avancent, ou sont mises en pause, en fonction des venues des travailleurs, habitées par le rêve de pouvoir enfin s’y installer un jour, ou abandonnées si ces travailleurs ne reviennent finalement pas. L’artiste a vu dans cette architecturale en suspens, une résonance de sa propre histoire de migration et de déterritorialisation, entre la France et la Corée.
Son rapport aux compagnons du devoir est aussi matière à réflexion et prolonge le soin qu’elle cultive dans la relation aux interlocuteur·rices qui croisent sa vie de tous les jours. Là où elle s’exerce habituellement à parler de son travail, de son positionnement d’artiste dans la société, dans la sphère intime de la famille, le compagnonnage devenait une autre manière de mettre à l’épreuve la transmission et d’« ajuster la température » pour partager son quotidien avec les autres.
S’ajoutent également ses ressentis de l’arrivée et du départ, comme un revival condensé de son parcours de vie. Excitation et désorientation d’une arrivée dans un territoire inconnu ; nostalgie et désarroi de quitter ce lieu désormais familier. Elle met en films ces va-et-vient, dans la continuité de l’œuvre J’ai besoin de la chance : sa caméra posée à la vitre de la voiture qui l’emmène à l’aéroport enregistre son trajet, l’éloignement progressif et les changements du paysage. Elle a réitéré pour une quatrième fois, à son retour de Roumanie, son action performative filmée, Past and Future, où elle fait du stop avec comme destination le passé ou le futur.
L’épée qui l’a conduite en Roumanie, lui a permis d’ouvrir un autre chemin, celui du rapprochement entre différentes géographies, entre ce qui a été vécu et ce qui reste à venir. Invitée par la Borderline Gallery pour une exposition personnelle en avril prochain, elle construit son exposition autour de la notion du « Kiss & Ride » – équivalent du dépose-minute français – pour retracer ces expériences croisées.

Commande dans le cadre du programme Rendez-vous demain, organisé par le Grand Café, centre d'art contemporain de Saint-Nazaire, 2025.

Pour qui découvre le travail de Céleste Richard-Zimmermann, la première impression n’est certainement pas la bonne. Le marbre n’est pas du marbre, tout autant que le basalte n’est pas du basalte. L’artiste maîtrise l’art de l’imitation et du camouflage grâce à une matérialité trafiquée. Elle use de matériaux industriels – polystyrène blanc ou graphité, mousse expansive – pour camper des canons de l’histoire de l’art, tels que des colonnes ou des bas-reliefs. Récemment, en résidence à l’Hôtel de Craon à La Rochelle, elle s’est saisie du médium pictural pour réaliser des trompe-l’œil. En reprenant les aspérités, motifs et papiers peints originels des murs de cet ancien hôtel de police, sa série Leurre est composée de chiens en bas-reliefs peints, probablement d’anciens cerbères oubliés. Ses peintures sur métal ont toujours un effet lenticulaire, où les figures apparaissent ou disparaissent selon les points de vue. À la manière d’un Liu Bolin, elle abuse de nos perceptions et de nos certitudes pour donner une place aux exclu·es, celleux que l’on ne voit pas ou que l’on ne veut pas voir.

Matériaux d’isolation et surfaces brutes sont détournés pour devenir les supports d’une ornementation riche et détaillée. Derrière des ensembles monochromes, une galerie fourmillante de personnages curieux habite sculptures et peintures. Dans les reliefs se détache une iconographie boschienne composée de figures animales et humaines, aux contours fantasmagoriques et burlesques. D’un côté, des animaux méprisés : rats, cochons, ours, ânes. Dans la fable de La Fontaine Les Animaux malades de la peste, seul le plus faible, l’âne, est durement puni. Michel Pastoureau rappelle, dans son ouvrage Le Cochon. Histoire d’un cousin mal aimé, que le cochon est, dans l’imaginaire collectif, perçu comme sale et impur, alors même qu’il est « un miroir où se réfléchissent toutes les ambivalences et contradictions de la condition humaine ». Ce bestiaire permet à Céleste Richard-Zimmermann de mettre en scène nos rejets et répulsions, et d’opposer à ces victimes expiatoires des figures humaines inquiétantes. Elles sont parfois nues et morcellées, parfois, au contraire, casquées. Entre Stormtroopers de Star Warset CRS français, il est évident d’y voir les figures d’autorité, dont la violence est systématique.

Inévitablement, se dessine alors un rapport de domination entre cette ménagerie abhorrée et ces forces de l’ordre. On pourrait s’arrêter là, s’arrêter à cette conviction inébranlable que l’espèce humaine est la plus puissante du règne animal. Pourtant, l’intention de l’artiste est bien plus complexe, puisque ces petites et grosses bêtes nous renvoient soit à notre propre asservissement, soit à notre propre marginalité. D’une part, en effet, dans son installation Make Corn Blue Again, où le public est invité à picorer du pop-corn dans une salle de cinéma, on pourrait déceler la suggestion d’un gavage à la pop-culture, un bourrage de crâne au soft power américain, nous rendant apathiques et standardisés comme des poules élevées en batterie. D’autre part, lors de sa résidence à Budapest, elle s’est intéressée à une loi déroutante de 2011 qui impose de recenser les chiens dans les communes hongroises. Un enregistrement payant, minoré pour les races hongroises. Cela ressemble curieusement à une forme de préférence nationale, ici inoffensivement appliquée à des chiens, mais particulièrement grinçante dans un régime d’extrême droite. Le contraste humain/animal semble toujours s’organiser selon des impératifs hygiéniques et un idéal de pureté. Les animaux, particulièrement le rat, comme le signale son corpus d’œuvres From Dogs to Gods, sont synonymes de maladie, menace pour l’homme justifiant leur extermination. Sous la montée en puissance de la rhétorique nationaliste, cette peur de l’autre a muté dans une forme encore plus radicale : celle de l’étranger. La récurrence du chien dans l’œuvre de Céleste Richard-Zimmermann résonne avec le film Isle of Dogsde Wes Anderson, satire sociale qui dénonce la xénophobie en stop-motion.

Pile : l’autre, le mal. Face : nous, le bien. L’artiste s’amuse de cette dichotomie en couleur. Certaines installations sont blanches, comme c’est le cas pour l’exposition Cave Canem. Colonnes et bas-reliefs sont d’un blanc immaculé, renforçant leur symbolique architecturale, émanation du pouvoir et de l’ordre. Les colonnes, allégorie phallique par excellence, ornent souvent les bâtiments importants. Elles évoquent aussi bien la pérennité de l’État, la justice, la loi, une domination figée et solide, mais ici surtout une réalité morte et pétrifiée. Dans certaines œuvres, ces métaphores du pouvoir sont décapitées, comme à l’Hôtel de Craon, ou enflammées, comme dans les peintures des Quatre Saisons. La force qu’elles illustrent s’en retrouve alors tout ébranlée.

À contrario de ce paysage blanc mais moribond, l’artiste a investi Zoo, centre d’art contemporain, d’un panorama noir, fait de cendre, de mousse polyuréthane, d’une barricade de pneus mou. Dans Ashes to Stitches, décor de terrain vague désolé, malgré cette noirceur, la vie organique semble battre son plein. Ce sont d’abord, des murmures, puis des chuintements, des pétillements, des craquements, qui s’échappent des pneus et palpitent dans l’espace. Le bruit de la mousse expansive qui se répand dans son contenant et en pousse les parois a été enregistré par l’artiste, puis travaillé en matière sonore avec la collaboration de la commissaire d’exposition Mya Finbow. Dans un parterre de fleurs et de plantes, Tout coule, (Panta Rhei), on retrouve des bouts de corps : ici une oreille, là un œil. Proche des jardins de Tetsumi Kudo, la pulsion de la métamorphose grouille, et doit sans doute proliférer pendant la nuit, lors des heures de fermeture. Pour reprendre le titre de l’exposition collective de l’Hôtel de Craon, la ruine est, chez Céleste Richard-Zimmermann, plus que féconde. Quelques années auparavant, pour son installation Aguardente, l’artiste s’était inspirée des plantes pionnières – Embauba, Ipomoea et Açaï – qui poussent après la dévastation d’un biotope pour les besoins de la culture de la canne à sucre. Reprenant le dessin végétal des herbiers, elle avait sculpté ces plantes dans des bas-reliefs en sucre non raffiné. Renaissance ou purification, puisque la traduction littérale de Aguardente signifie « Eau qui brûle ». L’alcool ronge les bas-reliefs en sucre, produisant une macération que le public est invité à goûter. Ainsi, aussi carbonisées ou vermoulues que ses œuvres puissent paraître, elles n’en sont pas moins traversées par un souffle de vie, un élan souterrain mais vivace de résistance.

Son inversion des valeurs, entre le bien et le mal et leurs agents et apparences respectifs, n’est pas sans rappeler l’intrigue du livre Chien 51 de Laurent Gaudé. Le personnage principal, un policier déchu devenu un « chien », est chargé d’une enquête qui le mène des bas-fonds de la zone 3 – misérable, polluée et fétide – au siège social aseptisé du consortium GoldTex, où s’ourdissent pourtant les plus vils crimes et trafics. Rapporté aux œuvres de Céleste Richard-Zimmermann, le message est cristallin : la violence de l’État, aussi légitime soit-elle, est avant tout une violence, qui tente de contrôler la masse.

L’artiste continue d’ébranler notre vision manichéenne de la société en s’attachant à représenter cette masse, dans toutes ses ambivalences. En parodiant un style pictural classique, celui des Quatre Saisons, elle réalise une série de peintures sur métal qui ne pourraient mieux illustrer la difficulté de séparer le bon grain de l’ivraie. En effet, des fleurs de saison se mélangent à des personnages agités et chimériques. Bien que périssables, les fleurs sont ici fortes et opulentes, alors que tout n’est que frénésie autour d’elles. En contemplant ses peintures, deux bandes-son se télescopent dans ma tête : Les Fleursde Clara Luciani et Manifeste d’Orelsan. La simplicité des unes et la dégénérescence des autres, ordre et chaos d’un même équilibre.

D’autres colonnes soutiennent le propos de Céleste Richard-Zimmermann, moins architecturales que métaphoriques. Quand elles symbolisent une forme de morale, une hiérarchie sociale structurante, l’artiste les met pareillement à mal, dans un effondrement des rôles sociaux façon carnaval. Les mouvements de foule deviennent des débordements dans des scènes sans dessus dessous. L’énergie non canalisée de la masse s’agrège à une force d’énergie vitale. Une libido qui pointe dans des langues tirées, des mains flottantes. Sa dernière installation pour l’Hôtel de Craon s’intitule congrûment Brisée et baisers. En hommage à la Commune, dressée dans cet ancien commissariat, la colonne brisée est le récit croisé d’un embrasement et d’un embrassement portés aux nues par un socle-foule. Il faut, pour suivre le fil des narrations sculptées de l’artiste, faire le tour des colonnes, jusqu’à s’en étourdir. Alors, les détails et figures se mettent en mouvement, se brouillent. Dans ses frises transhistoriques, l’artiste désoriente les récits officiels pour donner d’autres déroulements à ces épisodes de révoltes populaires. Souvent, pour aborder des sujets complexes qui vont de la violence d’État, à la standardisation généralisée de nos modes vies, jusqu’aux influx contestataires, elle a recours à une forme d’humour par le grotesque. Ses figures et ornements sont volontiers comiques, cocasses, presque bouffons parfois, et toujours satiriques. Le décalage nous permet de naviguer, sans drame, guidé par la sagacité de son propos, dans l’épaisseur politique brutale des thématiques soulevées.

Dans tout ce blanc, où s’affrontent ordre public et insurrections, il manque le rouge : le rouge du sang qui coule quand les velléités populaires finissent irrémédiablement par être réprimées. Malgré cette puissance de la meute-émeute, Céleste Richard-Zimmermann pose un constat lucide sur les soulèvements matés, étouffés ou érodés. Dans E.C.Iou Engin de Conflit Improvisé, elle dispose les outils d’une révolte en chocolat, qui n’aurait pas abouti, peut-être par découragement ou par flemme. Autre nuance : si les révoltes se concrétisent parfois, elles ne sont pas exemptes de trahison ou de corruption. Orwell, dans La Ferme des animaux, met en scène des animaux dont la révolution contre leurs maîtres humains finit par engendrer une nouvelle tyrannie.

Outre le rouge sanguinaire, il faut aussi imaginer celui du brasier traverser toute l’œuvre de Céleste Richard-Zimmermann. Dans les sculptures comme dans les peintures, il est forcément question, à un moment, de tout brûler, de tout rôtir : des Kebabselitzaux marmites frémissantes ponctuant les Quatre Saisons. La brûlure peut aussi bien avoir été hypothétiquement infligée par le feu – dans le paysage faussement carbonisé de Ashes to Stitches– que par l’acide. La figure du semeur d’acide apparaît dans les peintures Bleuet, Eucalyptus et Fraxinelle, ou encore celle de personnages casqués, munis de vaporisateurs, qui effacent partiellement certaines figures de sa réinterprétation du Massacre des Innocents. Dans le roman dystopique Tabor de Phoebe Hadjimarkos Clarke, Mona et Pauli voient régulièrement débouler, dans leur lieu de refuge précaire, des fonctionnaires masqués et angoissants qui répandent des produits chimiques. On imagine sans mal que les silhouettes peintes de Céleste Richard-Zimmermann soient les cousines de celles décrites par Phoebe Hadjimarkos Clarke.

De la maîtrise du feu à la chasse aux rats, en passant par la chasse à l’ours, pour finir à l’élevage industriel, Céleste Richard-Zimmermann dresse les grands jalons d’un mythe fondateur de nos sociétés : le récit historique de la domination de l’homme-chasseur. Comme l’a analysé Alice Zeniter dans sa conférence-livre Je suis une fille sans histoire, les modèles narratifs de l’imaginaire collectif font la part belle à la conquête et à son héros. Pourtant, ce que l’artiste plasticienne semble suggérer, c’est que cette maîtrise du feu est montée à la tête d’Homo sapiens, jusqu’à faire de lui un pyromane – contredisant alors une autre version mythifiée de lui-même : le bâtisseur. Il laisse derrière lui un monde apocalyptique et brûlé, comme celui écrit par l’autrice Ariadna Castellarnau, mais d’où peut jaillir un renouveau et d’où peuvent enfin surgir d’autres voix.

Textes accompagnant la résidence HORIZONS des artistes Coline Lasbats, Jean-Michel Poinet, Won Jy, Sofia Lautrec, Aurore Martin à la Maison des Arts Georges et Claude Pompidou, Cajarc.

Texte accompagnant l'exposition personnelle de Mélanie Berger aux Ateliers Vortex, 2025.

17 avril - 20 juillet 2025
Musée Sainte-Croix de Poitiers, centre d'art, école d'art et artothèque de Grand Chatellerault, ancienne école Chabram² à Touzac-Bellevigne
Avec l'accompagnement curatorial de la platforme Föhn
Artistes invité·es : Léon Binétruy, Claire Bouffay, Clément Courgeon, Célie Falière, Aurélie Ferruel & Florentine Guédon, Thomas Gaugain, Giga dinette, Barbara Kairos, Lou-Andréa Lassalle-Villaroya, Théophile Peris et Alexandra Pouzet
Graphisme : Noémie Erb & Guillaume Tourscher

Sur trois lieux, le musée Sainte-Croix de Poitiers, le Centre d’art, école d’art et artothèque de Grand Châtellerault, et l’ancienne école Chabram² à Touzac-Bellevigne, et avec l’accompagnement curatorial de Föhn, Ce que Francine Poitevin a semé réunit treize artistes qui, à leur manière, s’intéressent à ce que Philippe Dagen nomme le « tribal occidental », c’est-à-dire le primitif des sociétés modernes. Les arts pauvres et populaires, représentés par les objets du fonds Francine Poitevin (1869 – 1946) déposés au musée Sainte-Croix par le Mucem, sont mis en regard avec des pratiques contemporaines généreuses, décalées, hybrides et critiques, comme autant de résistances à l’appropriation du folklore local par les idéologies identitaires.

    La ruralité a le vent en poupe. Outre les trajectoires de vie individuelles, qui voient se généraliser les migrations néo-rurales, la ruralité est aussi un objet politique. Objet politique en tant qu’électorat spécifique, mais aussi dans son usage symbolique et sa mobilisation idéologique. Certains discours nationalistes en font le terreau de l’identité française et l’eldorado du repli sur soi. Le folklore local, émanation culturelle d’un terroir, est utilisé comme preuve d’authenticité. Cette occupation politique impose dans les consciences une vision monolithique et pure des traditions rurales, alors que leur héritage demeure, en pratique, pluriel, fragmenté, contrasté, métissé. Sur le terrain politique, des voix dissonantes se font entendre. Récemment, Samuel Grzybowski, militant associatif, a publié l’essai Les terroirs et la gauche. Il porte le message que les particularismes locaux ne sont pas simplement les marionnettes du conservatisme, mais sont historiquement des ferments de lutte pour les avancées sociales. Sur le terrain de la représentation, les artistes agissent comme garde-fou d’une appropriation complète du folklore local, en maintenant ouverts d’autres imaginaires.

Prenant pour point de départ la collection d’ethnographie rurale assemblée par Francine Poitevin, l’exposition réunit des pratiques artistiques contemporaines qui, tout en s’inspirant de la ruralité et du vernaculaire, existent et persistent hors d’un roman français nationaliste. Au contraire, les matières, les iconographies, les artefacts sont débarrassés de cette couche traditionaliste, pour laisser place à la poésie, la fiction, l’hybridation, l’incertitude, au vulnérable. On plonge dans du micro, du quotidien, du personnel pour mieux faire se craqueler un mirage identitaire uniforme. À la place d’une grandiloquence chauvine, c’est le banal et l’ordinaire qui l’emportent et avec eux l'hétérogénéité.
Théophile Peris, avec ses casques-fontaines, mélange objets et corps, pour donner vie à des créatures fontaines. Les poteries usuelles du 19ᵉ siècle avec lesquelles son travail est mis en regard, furent, de la même manière, des extensions des corps au service de besoins primaires d’alimentation et de conservation.
Alexandra Pouzet superpose et assemble les objets du fonds Francine Poitevin pour modeler des figures anthropomorphes, ancêtres auréolés de magie, ou des dialectes d’un langage graphique énigmatique.
Léon Binétruy présente une œuvre entre le chariot agricole et la cage thoracique décharnée. Son in-betweenness, c’est-à-dire sa fluidité entre les mondes, est accompagnée par des reprographies d’une sélection d’objets du fonds, liés à l’imaginaire du passage entre la vie et la mort.
Les sculptures en plâtre de Thomas Gaugain, dans lesquelles sont pris des textiles dont les motifs sont inspirés des châles du fonds, évoquent vaguement des membres humains, en inversant le rapport entre peau et tissu. Les limites entre les corps, quelque soit leur nature, s’effacent. Oui, les mélanges sont féconds, ils génèrent de nouvelles formes et des récits qui ne sont pas encore écrits.
Quelles portes ouvrent les clefs de Claire Bouffay et celles de Francine Poitevin ? Séparées par les âges, elles sont liées par leur irrésolution et leur potentiel imaginatif.
Barbara Kairos nous propose des fantômes d’objets choisis dans la collection du musée Sainte-Croix, qu’il faut tenter de deviner à partir de leur silhouette.
Sur les verres soufflés de Célie Falières se dessinent les traces des vanneries dans lesquelles ils ont été coulés, et que la température a brûlé. Ces entrailles en verre, sortes de contre-formes, sont mises en dialogue avec une vannerie poitevine, rappel de l’importance de ce savoir-faire artisanal dans la région.
Ici on joue au mémory, là avec Giga dinette (Jane Bidet et Clara Valdes), on joue à la dinette avec leur service de vaisselle créé pour l’occasion à partir des formes du fonds. En porcelaine, leurs plats, leurs buies, leurs carafes sont à activer pour goûter des recettes sucrées et salées du Poitou, revisitées avec la complicité de producteur·rices locaux·les.
Rien n’est figé, ni pétrifié dans un verni d’idéalisation nostalgique. Au contraire, on voit l’épreuve du temps, sur les surfaces, mais aussi sur les corps, notamment ceux des bas-reliefs de Aurélie Ferruel & Florentine Guédon, noueux et déformés. Le vieilli, l’abîmé, c’est aussi celui ou celle rejeté·e par les normes sociales dominantes. Aux figures marginales auxquelles Clément Courgeon et Célie Falières donnent vie dans leur performance répond la trajectoire fantasmagorique de Mélusine. Personnage légendaire mi-femme mi-serpent, elle peuple les récits retranscrits par Francine Poitevin dans ses Contes et Légendes du Poitou. Lou-Andréa Lassalle-Villaroya suivra sa trace jusqu’à une folklo-boum participative. Élaborée grâce à des ateliers de co-création menés avec des groupes de publics du territoire proche de Chabram², c’est une parade costumée, chantée, dansée qui vous attend pour le dernier week-end de juin.

Les objets patrimoniaux du fonds Francine Poitevin sont des repères discrets d’usages et coutumes rurales passées, souvent perdues. Au cœur du Poitou, leur vie sociale d’objets utilitaires était peuplée de gestes et d’habitudes propres aux existences à la campagne et au travail de la terre. Certaines formes pourront évoquer les souvenirs d’une enfance rurale ; d’autres outils reviennent au goût du jour dans des pratiques de production artisanale qui s’inspirent de procédés anciens. Avec leur vie muséale, ils composent un autre récit, rendu lacunaire par le progrès et la modernité. Le dialogue avec les œuvres contemporaines se glisse alors dans les manques et les oublis, nous invitant, par l’imagination ou par le témoignage, à contribuer à notre tour à cette histoire paysanne fragmentaire.

Septembre 2024 - Juin 2025
Programme CURA porté par le Cnap et la DGCA - Ministère de la Culture
Scène Nationale Carré Colonnes, Blanquefort et Saint-Médard-en-Jalles
Artistes associé·es : Charles Angée, Flo*Souad Benaddi, Loreto Martínez Troncoso et le groupe artistique CHUGLU.

Partenaires : Classe UPE2A du Lycée Saint-Joseph de Blanquefort, l'école Municipale de Musique et de danse de Blanquefort, l'Escale des possibles - Café associatif familial et culturel, Foyer Marc Boeuf, Technowest - Logement Jeunes, collectif l'Insoleuse, Médiathèques de Blanquefort et de Saint-Médard-en-Jalles.

Concept curatorial :

La ligne droite symbolise la marche-avant de nos sociétés capitalistes, seule trajectoire possible du progrès. Le cercle, qui comme le rappelle Gloria Steinem, « a été le paradigme originel de l’humanité », permet de faire un pas de côté dans ce toujours plus loin, plus vite et plus fort.
Avec un titre, emprunté au procédé musical, qui répète une même phrase rythmique, accompagnant de manière immuable les autres éléments d’un morceau, Ostinato propose de suivre le cercle et ses variations pour découvrir ou redécouvrir la création artistique, en y participant pleinement grâce à des rendez-vous récurrents et variés avec des artistes.
Aventure artistique à haute valeur humaine, expérimentale et à la croisée des disciplines, Ostinato un cercle vertueux qui s’élargit tout au long de la saison avec la succession de trois « Capsules », temps forts thématiques : Articuler / Réparer / Planter.

Format Résidence

3 artistes sont invité·es en résidence de co-création. Avec des membres et publics d’associations et structures locales partenaires, ils et elles s’engagent dans un compagnonnage artistique pour créer des œuvres collectives et singulières.

Format Fish-bowl

Technique d’animation, le fish-bowl consiste à créer une conversation avec un grand groupe autour d’une question ou d’un sujet précis. Au centre d’un cercle, trois invité·es lancent la discussion laissant ensuite leur place et la parole aux personnes des cercles périphériques. En lien avec la thématique de la capsule correspondante, c’est une invitation ouverte à toustes à prendre part à un exercice collectif sans enjeu, où les mots et les corps circulent, selon un mode de participation attentif et horizontal.

Format Célébration

Sabbat des sorcières, ronde de nuit, veillée autour du feu ... Le cercle permet de se rassembler, de célébrer et se réjouir ensemble. Reprenant ce motif du cercle-assemblée, 4 célébrations sont confiées au groupe artistique Chuglu. Formé aux Beaux-Arts de Marseille en 2014 par un groupe varié d’étudiant·es, devenu·es artistes, Chuglu part à l’aventure avec qui veut bien, lors de performances, installations et événements immersifs. Pour Ostinato, Chuglu propose de faire communauté autour de trois évènements. Ouvert à toustes, iels feront appel à l’effort collectif, pour cuisiner une soupe, remonter le mystère de la disparition des clémentines, transformer un salon de massage en salon de passage. C’est l’union, la force du groupe, l’intelligence collective qui ouvriront des portes mystérieuses.

À l’initiative du ministère de la Culture, de la Direction générale de la création artistique, et du Centre national des arts plastiques, CURA se veut être une « saison arts visuels dans les scènes nationales ». Le but est d’étendre les possibilités de monstration pour les artistes et commissaires d’exposition ; de faire découvrir le meilleur de la création contemporaine sur l’ensemble du territoire à un large public par des croisements avec les programmations des douze Scènes Nationales

16 novembre 2025 - 26 janvier 2025
Le Bicolore - Maison du Danemark, Paris
Artistes invité·es : Marisabel Arias (Peru), Ismaël Bazri (FR), Margot Bernard (FR), Benedikte Bjerre (DK), Kåre Frang (DK), Martin Brandt Hansen (GL), Hannah Heilmann (DK), Olivia Rode Hvass (DK), Esben Weile Kjær (DK), Louis Lallier (FR), Rasmus Myrup (DK), Torben Ribe (DK), Toco Vervisch (FR)

(English below)

Porte de Montreuil, Place du Jeu de Balle, El Rastro, Mauerpark … pour les amateur·rices de marché aux puces et brocantes ces lieux évoqueront peut-être des souvenirs familiers. Des grandes capitales européennes aux petits bourgs de campagne, la brocante est un espace-temps quasiment générique, que l’on cherche ou que l’on trouve au hasard d’une rue. Sur les étals, sur des portants, à même le sol, dans des caisses, des cartons, des valises béantes, c’est un bric-à-brac joyeux, désordonné et intime. Des antiquités côtoient des jeux pour enfants en plastique, alors que des gravures anciennes font face à des posters de la tournée historique de Céline Dion. Plusieurs époques et plusieurs styles cohabitent éclectiquement, chacun chargé de sa propre nostalgie. Les brocantes sont le lieu où le concept d’afterpop du chercheur Eloy Fernández Porta devient visible et palpable. Afterpop signifie que nous serions après le pop et après la pop, c’est-à-dire à la fois après « le populaire » comme catégorie de la sociologie culturelle et après « la pop » comme tendance culturelle. Une nouvelle étape où le passé devient futur et inversement, où force est de constater que la production culturelle capitaliste a bel et bien digéré les folklores locaux. Nombre d’artistes ont recours à cette nouvelle esthétique de l’afterpop détournant et ironisant sur cette standardisation qui tend vers un nobrow ou zone floue entre high et low culture. Car ce lissage des goûts et des consommations s’impose tout en cachant la persistance et l’accentuation des disparités sociales, même pour des pays, comme le Danemark, où l’État-Providence est censé assurer à chacun·e le même bien-être.

Absorption et chimère culturelle se retrouvent ainsi sur des stands de marchés aux puces et The future of the past prend alors la forme métaphorique d’une brocante, en instillant dans la scénographie des indices qui en rappelle l’esthétique : tables et tréteaux, tonnelles blanches, bâches en plastique bleues. Pour prolonger cette identité visuellement reconnaissable, l’œuvre de Margot Bernard et Toco Vervisch nous plonge dans un paysage sonore, une ambiance de bruits de fond et de conservations enregistrée aux Puces de Saint-Ouen. Les ballons en forme de poules de Benedikte Bjerre viennent créer une impression de foule et de déambulations désordonnées et improvisées.

Les œuvres de l’exposition sont les protagonistes de cette brocante. Sculpture, peinture, photographie, tapisserie … Elles sont des objets-totems, correspondant à ce que l’on pourrait trouver sur les étals. Elles encapsulent les ressorts de l’afterpop : indistinction temporelle, digestion entre high et low culture, rétromania.

Mythes et iconographies, comme la licorne d’Olivia Rode Hvass ou le cœur de Marisabel Arias, voyagent dans le temps, de l’antiquité jusqu’à des appropriations commerciales de la pop-culture, en passant par le Moyen-Âge. La rencontre entre le traditionnel et l’ultra-moderne est tantôt harmonieuse chez Ismaël Bazri, tantôt ironique chez Martin Brandt Hansen.  Habitudes festives, convoquées par Rasmus Myrup ou habitudes alimentaires, convoquées par Torben Ribe, n’appartiennent plus à une posture sociale imperméable, mais sont le fait de croisements kitsch, à la limite du mauvais goût mais tendances. Par des collections de pendentifs en toc et collages de captures d’écran du mur Facebook, Louis Lallier et Hannah Heilman ont recours à l’accumulation compulsive comme témoignage d’une esthétique TrashDeLuxe pour reprendre les mots de Portà. Esben Weile Kjær et Kåre Frang revisitent l’enfance, ses contes et ses jeux, par des hybridations de matières, le plastique devient bronze et le pain d’épices devient Iphone.

Chaque œuvre transcende et transite d’une sous-culture à une autre, d’une période de référence à une autre, d’un désordre à un autre, en assumant une part critique indéniable sur que la société amalgame, de récits et de représentations, et sur le duo producteur-consommateur que nous incarnons tous·tes.

A metaphorical flea market, the exhibition brings together works that travel back in time, linking past and present, mixing high and low culture. Domestic objects, they have the memorial power to transport us into our memories and to belong to a common fund of knowledge, a heritage of consumption. Mash-ups, totems of our heritage, trinkets of our modernity, the works are charged with affectivity and nostalgia for the latest fashions. Here, in the words of researcher Eloy Fernández Porta, popular culture and pop-culture have merged into after-pop.

Texte accompagnant l'exposition personnelle de Germain Marguillard à l'H du Siège, centre d'art contemporain de Valenciennes, 2025.

Automne 2024 - Institut Français d'Allemagne.

Chaque année, le Bureau des arts visuels propose deux bourses de voyage et de recherche vers l’Allemagne s’adressant aux commissaires d’exposition français.es ou travaillant en France qui mènent des projets dans le domaine de l’art contemporain.

Andréanne Béguin a été sélectionnée en 2024 pour la bourse de voyage et de recherche en Allemagne. Dans le cadre de ce programme, elle a écrit le texte curatorial « Du Notgeld à la Blockchain » (2024), fruit de ses recherches menées lors de ses visites à Francfort, Berlin, Hambourg, Munich et Cologne.

   Le blé, les thunes, l’oseille, le pognon, le flouze, le pèze, les ronds, le fric, la mitraille… Les petits noms familiers donnés à l’argent sont pléthore. Cette profusion de dénominatifs est à l’image de l’importance de l’argent dans nos existences quotidiennes, de ses occurrences les plus intimes à ses manifestations publiques et politiques. Pour reprendre les mots de l’écrivain Thomas Baumgartner, qui vient de publier L’argent des gens, tentative d’épuisement de nos porte-monnaie, « L’argent fait notre quotidien, le fabrique, le contraint, le façonne. Le paradoxe est complet entre omniprésence et évanescence. » (p. 9). Si l’auteur, à rebours d’une étude philosophico-financière, choisit de faire le portrait de l’argent par des témoignages et récits individuels, l’enjeu de ma résidence de recherche en Allemagne n’était pas de craquer le code de la superstructure capitaliste, mais plus simplement d’appréhender l’argent dans sa dualité, à la fois comme sujet et comme médium artistique. (... SUITE À LIRE EN LIGNE)

Texte accompagnant la résidence de Ninon Hivert à la Fondation LAccolade, Paris, 2024.

Texte accompagnant la résidence du duo Giga dinette (Clara Bidet et Jane Valdes) à la Kunsthalle Mulhouse, 2024.

Janvier à Juillet 2024
Maison Populaire, Montreuil
Résidence territoriale, co-commissariat avec Thomas Maestro
Artistes invité·es : Margot Bernard, Joris Heraclite Valenzuela et Maha Yammine

La Maison pop déménage prochainement sur le site de la Friche industrielle EIF à Montreuil. À la manière d’une préface artistique, la Maison pop lance la première édition de Fabrique à l’œuvre, résidence d’action artistique et territoriale, à ciel ouvert. Les commissaires d’exposition Andréanne Beguin et Thomas Maestro imaginent 1200 mètres, la distance nécessaire pour passer de la fiction au réel.

« Des lieux, des rues, des places, des carrefours, liés à des souvenirs, à des événements ou à des moments importants ». Les mots de l’écrivain Georges Pérec pour introduire le protocole établi pour son aventure littéraire Lieux ont inspiré 1200 mètres.
La démarche en deux étapes de l’auteur repose sur une écriture “réelle” et descriptive d’un lieu, puis sur une écriture des souvenirs vécus ou imaginés rattachés à ce même endroit. Nous proposons de transposer ce jeu littéraire d’enregistrement de la ville à des projets de co-créations artistiques in situ avec la complicité des artistes Margot Bernard, Joris Heraclite Valenzuela et Maha Yammine.

Nous souhaitons expérimenter un “commissariat-action”. Nous sommes à la fois observateurices, accompagnateurices et intervenant·es dans les ateliers de pratique des artistes et les publics participants des associations La Tribu du Grand Air, La Facto, la Collecterie et le Samusocial de Montreuil. Pendant six mois nous sillonnons dans ce rayon de 1200 mètres qui relie le site actuel de la Maison Populaire et les anciens bâtiments de l’usine EIF, son futur site d’implantation en cours de réhabilitation. Ensemble, nous passons de la carte à la réalité pour mettre en relation les habitant·es des quartiers alentours et les artistes invité·es, autour des vécus particuliers de chacun·es sur le territoire.
Chaque mois, des temps de rencontres, d’échanges, de workshops, et de co-production se répètent pour sonder ces expériences et visions multiples des lieux de proximité, puis les matérialiser dans la ville.
Les artistes mettent à disposition leurs outils, sensibilités et modes d’expression pour mener l’enquête et collecter les paroles, les formes, les matériaux, les émotions, les bruits de fond qui façonnent nos existences quotidiennes.

Notre résidence est animée par le principe du “Do It With Others” [1] : les moments partagés – repas, balades, visites, conversations – font œuvre collective et tracent progressivement tout au long de la résidence une constellation qui relie des points et des destins entre eux. Chaque tandem enrichit un enregistrement en live des mutations urbaines de ce périmètre, une captation et une mise en forme d’images, de sons, de fragments, de récits qui émanent de ses habitant·es.

Cette archive constituera, d’une part, une maison de chantier immatérielle, diffusée par les canaux de communication de la Maison Populaire et conçue avec la complicité d’un groupe d’étudiantes de l’IUT de Montreuil. Cette maison de chantier offre à toutes et tous la possibilité de suivre peu à peu la trame des événements en cours. Quel est le lieu qui me manque ?, un premier temps fort sous forme de jeu de piste restituera les mois de co-création le samedi 4 mai 2024. Il sera conçu comme un jeu de piste où chacun·e, d’étapes en étapes sur les traces des lieux choisis et travaillés, pourra récolter autant d’indices qu’il existera de récits du territoire. Il sera possible, pour recomposer les histoires et se les approprier, d’échanger avec les participant·es, artistes et commissaires. Enfin, les rendez-vous des tandems se poursuivront avec Raconter la fugue, un évènement public sous la forme d’une veillée contée lors du Festival des Murs à Pêches le dimanche 19 mai 2024. Placée cette fois sous le signe de l’imaginaire, du fantasmé, elle laissera place à une archive fictionnelle, ouverte à tous les possibles pour peupler de rêves et de désirs ces 1200 mètres.

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La voix des commissaires, retours écrits sur la résidence

[1] Terme utilisé en 2006 par l’artiste, chercheuse et curatrice anglaise Ruth Catlow, pour définir des formes de rencontres et d’actions artistiques participatives, où l’expérience des moments de partage importe autant, sinon plus, que les éventuels résultats formels obtenus.

Portrait de Thomas Tudoux pour le numéro 10 (2024) de la revue Facettes publiée par 50° NORD - 3° EST

23 mai au 14 septembre 2024
Vernissage le 22 mai 2024
Mécènes du Sud - Montpellier
(English below)

Avec : Morgane Baffier, Flo*Souad Benaddi & Luna Petit, Ninon Hivert, Konstantinos Kyriakopoulos & Frank Zitzmann, Céleste Moneger

Conception graphique : Noémie Erb & Guillaume Tourscher

Performances de Morgane Baffier, le soir du vernissage le 22 mai, le 18 juin, le 14 septembre.

Aelis et Ysabeau. Ces deux prénoms féminins n’évoquent peut-être rien. L’histoire d’amitié qui les lie, racontée par un roman occitan du XIIIème de Jean Renart, n’aura pas connu la même postérité que d’autres légendes médiévales qui, comme les chevaliers de la Table Ronde, glorifient des héros et leurs boys clubs.
 
 La trame narrative qui suit les deux jeunes femmes est audacieuse et prometteuse. Elles deviennent amies quand le fiancé d’Aelis disparaît. Leur amitié est contractuelle et affective, et leur permet rapidement d’obtenir une autonomie économique : dans la société Montpelliéraine de l’époque elles imposent leur commerce de textile sur la base d’une alliance de savoirs typiquement féminins. Pourtant, leur histoire prend brutalement fin quand le fiancé d’Aelis réapparaît et que la logique matrimoniale conventionnelle l’emporte sur l’amitié atypique. Aelis et Ysabeau se font rattraper par le schéma hétéro-patriarcal, et ne peuvent aller au bout de leur affranchissement.
 
 Bien au-delà de la littérature médiévale, la fiction écrite, filmée ou dessinée, ressort de la culture populaire et de nos imaginaires, a enfermé l’amitié dans des mécanismes genrés. Pour les femmes, elle est synonyme de relations toxiques, de commérage, de compétition, de danger ou d’antichambre du couple… Au mieux, quand elle n’est pas ignorée ou reléguée dans des espaces domestiques tus. Pour les hommes, le choix est à faire entre la camaraderie potache des sphères de pouvoir ou l’ambiance viriliste de vestiaires sportifs.
 
 Face à ces références défaillantes, comment construire des amitiés positives et solidaires ? Comment les réinventer pour affirmer leur force, non seulement émotionnelle, mais aussi politique ?
 
 Avec la complicité de Morgane Baffier, Flo*Souad Benaddi & Luna Petit, Konstantinos Kyriakopoulos & Frank Zitzmann, Ninon Hivert et Céleste Moneger, AMIEX souhaite faire sortir l’amitié de son cadre patriarcal et hétéronormatif. Elle nous invite à « s’engager en amitié », pour reprendre le titre de l’essai de Camille Toffoli. Les œuvres se réapproprient les espaces dédiés, l’humour, le désir, la narration, les objets, les références, la parole, les vêtements qui traversent nos liens de proximité et d’amitié, pour les déplacer vers des horizons plus conscientisés et plus inclusifs.
 
 AMIEX entend donner une nouvelle chute métaphorique au récit médiéval d’Aelis et Ysabeau, pour que celles-ci puissent aujourd’hui rester amies, s’émanciper du destin convenu du couple par l’amitié et nous inspirer des alliances amicales mixtes entre tous·tes·x, non pas secondaires, mais bien au centre de nos vies quotidiennes.

Inspired by a medieval tale set in Montpellier, which tells the story of the friendship between two women, Aelis and Ysabeau, disrupted by conventional heterosexual love, AMIEX (FRIENDS) seeks to trace the evolution of friendship from the Middle Ages to the present day. The exhibition aims to break free from traditional norms by reimagining designated spaces, humor, desire, relational patterns, and objects—everything that shapes our connections and friendships. Through a blend of performance, installation, video, and sculpture, the exhibit endeavors to re-enchant our understanding of friendship and propose new, feminist, inclusive, and interspecies endings to this Occitan tale.

L’histoire pourrait commencer par un vieux buffet en bois imposant, aux contours familiers des intérieurs un peu datés mais peuplés de souvenirs. Ne nous y trompons pas, ce n’est pas un remake de Narnia. Ses portes sont condamnées, elle est entièrement recouverte d’un crépi beige qui tire sur le gris ou le jaune. Elle est agitée de tremblements et de vibrations, et relâche à l’arrière, via une grille d’aération, une vapeur blanchâtre. Le crépi vient révéler la décrépitude de ce mobilier, bloqué dans une époque passée, mais traversé d’un dernier souffle de vie. À la manière dont les vestiges de Pompéi et Herculanum ont été figés dans la lave, ce recouvrement peut se lire comme une tentative de conservation, une intervention pour brouiller la trame du temps qui passe, et s’engouffrer dans une autre dimension temporelle.

Creepy Temple permet à Hugo Laporte de poser un principe fondamental de son travail, qu’est le choix pour l’esthétique de la blessure, du désastre. C’est un refus du lisse, et de la société ordonnée, linéaire, aseptisée et efficace. Il·elle s’est tourné·e au contraire vers la lenteur et la rugosité. Une lenteur dictée par son outil fétiche, le stylo 3D, qui allonge sa durée de travail jusqu’à le·la plonger dans un processus méditatif, une transe du fait-main où les heures défilent et additionnent desmicro-gestes répétitifs dignes de l’orfèvrerie. La rugosité est un héritage, une sensibilité particulière qu’il·elle porte à l’arte povera, courant artistique des années 196. Un positionnement social et politique qui se traduit esthétiquement par des matériaux pauvres et une précarité plastique. Hugo Laporte s’en réclame, tout en replaçant l’esthétique post-internet par une actualisation du lexique des matières, avec d’autres composantes et rebuts propres aux sociétés contemporaines. En résultent des hybridations entre nature et technologie quand par exemple des fibres de kombucha sont associées à des écrans LCD dans la série des Lanternes, (2021). Plus encore, là où la terre ou le bois étaient des constantes chez les artistes de l’arte povera, Hugo Laporte a, quant à lui·elle, recourt aux plastiques, matériaux pauvres par excellence de la société contemporaine et de son obsolescence. Il s’attache à récupérer ces supports de conservation et de diffusion numérique, un kyrielle de plastiques électroniques, informatiques, bureautiques, téléphoniques. Ils sont liés entre eux par des filaments de PLA utilisés pour l’impression 3D, un plastique « naturel » biosourcé, obtenu à partir d’amidon de maïs et coloré grâce à des déchets divers (huitre, café, bière, cacao, moule, blé, ardoise).

De la même façon, les images qu’il·elle recueille sur internet sont des photographies pauvres, vernaculaires, sans valeur esthétique. C’est en écumant des sites internet comme Leboncoin, Vinted ou Ebay, qu’Hugo Laporte amasse des photographies prises par d’autres, mais qui dévoilent des gestes de mise en scène singulières destinées à vendre des objets plus ou moins désuets. Par exemple, dans son livre How Not To Be Rich Il·elle a collecté les images de câbles, pris sous un certain angle, tenus par des mains anonymes qui en montrent les embouts (mâle/femelle). Pour la Contemporaine de Nîmes, au Carré d’art[1], il·elle présente une autre collection iconographique, cette fois fictive ; une sélection de 1500 photographies de sculptures générées par intelligences artificielles, présentées sur une grille de conservation muséale.

Au gré de ses déambulations, virtuelles et physiques, il·elle accumule des représentations et des artefacts low-tech, qui deviennent ensuite un stock disponible, d’images ou de matières, pour donner naissance à une pièce, de la même manière qu’il digue quotidiennement de la musique pour créer des mixes et pièces sonores. Les matières sont choisies pour leur relief et les objets pour leur charge affective. Les œuvres ne répondent alors pas à une idée formelle précise et prédéterminée, mais sont plutôt le fruit aléatoire et intuitif d’assemblages, de superpositions, de confrontations des matières. Puzzles sans modèle, restaurations sans maquette mais qui tendent a ressembler à des formes inter-civilisationnelles, aux usages universels. Les formes produites sont primitives : des vases, des lampes, des clefs, des bijoux, des armes, des fontaines. Un corpus d’items domestiques, d’archives à mi-chemin entre archaïsme et technologie, pour contrecarrer toute assignation.

Parfois le geste est ornemental, mais parfois aussi violent, il sectionne, évide, brûle, torde. Ici c’est une unité centrale d’ordinateur vidée et compressée, là un macbook pro transpercé par un didjeridoo, ici encore des claviers coupés qui forment un château de cartes. Par-delà la violence, les interventions cherchent à transformer les matières pour les vieillir, les éroder, les fragiliser… Elles empruntent à la musique : couper, recouper, coller, dupliquer, diviser, étendre, raccourcir, associer, blender,mixer, mélanger, éditer, associer, remixer… Autant de gestes que l’on retrouve dans les mixes quand il·elle mélange des tracks de musique concrète avec de la PC music, ou encore des oeuvres de femmes pionnières de la musique électro-accoustique des années 70 avec des variétés kitschissime d’un ibiza early 2000.

Ce principe de la trans-archéologie innerve sa pratique. Toute la force d’Hugo Laporte est d’œuvrer pour et dans un flottement temporel, de laisser la place à une spéculation libre et débarrassée des cadres normatifs d’identification. Il·elle multiplie les lectures de « vies antérieures, postérieures, hypothétiques ». Chaque œuvre charrie avec elle un imaginaire décuplé et un réservoir sans fond de récits possibles. Chaque œuvre se tient en équilibre entre archéologie et futurisme post-digital. Par exemple, il·elle réalise pour le chat d’un ami, une urne funéraire, sorte de vase canope 2.0, composés de débris de CD-Rom et d’écrans d’iPhone glanés lors de voyage.

Ce rapport à l’historicité fictionnelle, s’augmente parfois de dispositif d’accrochage et de choix scénographiques singuliers. L’œuvre bifurcation, avec des symboles à l’impression 3D moulés puis inclus dans des résines, se découvrait dans le noir, à la lampe UV, provoquant un nouveau régime d’apparition. Le fil qui lie toutes ses œuvres, est celui d’une esthétique Trashique (trash et chic) – des écrans morts, des pare-brise éclatés, des câbles anarchiques, des CD carbonisés, du verre pilé… – qui rencontre une symbolique originaire d’entrelacs, de cercles, de motifs tribaux. La mémoire émotionnelle intime s’objectifie, ainsi dans 𝘔𝘰𝘳𝘯𝘪𝘯𝘨 𝘊𝘩𝘢𝘰𝘴, 𝘌𝘵𝘦𝘳𝘯𝘪𝘵𝘺 𝘊𝘩𝘢𝘰𝘴... une collection de médailles de natation trouve une nouvelle vie dans une fontaine en béton, résine et silicone, sorte de totem quasi-sacramental. Comme sur une table de mixage, Il·elle prône une fusion High_Mid_Low dans le formes plastiques, une variation du vocabulaire musical qui agence les aigus, les voix et autres percussions et les basses et kicks.

La trans-archéologie n’est pas qu’une recherche plastique, mais bien une manière d’apporter au récit historique unilatéral des voix dissonantes, de pointer du doigt les distorsions des évènements, des faits historiques au profit d’une version officielle, toujours blanche, patriarcale et hétéronormée. À rebours, Hugo Laporte vient rappeler l’intrication entre les productions culturelles et technologiques et la domination coloniale. Dans la sphère technologique, l’œuvre Primary/Replica (2018) permet de rappeler par exemple que dans le langage informatique, les termes slave/master désignent un principe de fonctionnement des bases de données. En 2003, suite à une plainte reçue pour discrimination, le Comté de Los Angeles a imposé un changement de vocabulaire pour les fabricants, mais malgré cette disposition légale, la terminologie est encore répandue. Il·elle signale aussi l’emprise de l’héritage socioculturel classiste implémenté dans les nouvelles technologies et notamment les intelligences artificielles.

Dans la sphère culturelle, l’exposition Oracle Museum[2] réalisée avec la complicité de Katja Novitskova, soulève le caractère toujours colonial des musées, les problématiques de restitution d’œuvres, mais aussi les responsabilités d’une conservation éthique et pragmatique dans un contexte global d’accumulation et de surproduction. Le corpus d’œuvres présentées, sculptures, projections, photographies, musiques, constituent un chapitre d’un jeu vidéo en cours d’écriture.

Tous ces métissages stylistiques sont le reflet d’une intériorité qui résiste aux projections et assignations identitaires, qui se refuse à répondre aux obsessions malveillantes des origines ou de l’orientation sexuelle, en choisissant sciemment une force spéculative et fictive, qui de son être passe à l’atelier et se glisse ensuite dans les objets.

Selon un désir d’œuvre totale et d’univers sensitifs éclatés en des grands écarts stylistiques, Hugo Laporte projette ses sculptures comme des élément de décors, des accessoires-architecturaux, le tout bercé par des mixes et productions hypnotiques, signéshumoristiquement par des alias tels que H0ity T0ity ou Myrrh Asghar. Être Dj et compositeur, lui permet des croisements entre procédés musicaux et procédés plastiques, de transposer des attitudes aux métiers spécifiques du champ de l’art. Un détournement, presque une performance, où la pratique déborde pour jouer à archéologue, jouer au conservateur·rice.

Texte commandé pour GENERATOR, par 40mcube, centre d'art contemporain - Rennes.

[1] Hugo Laporte et Katja Novitskova, Oracle Museum, Carré d’art, Nîmes, 5.04 - 22.09.24

[2] Première étape d’un projet plus vaste amorcé dans le cadre de GENERATOR, formation proposée par le centre d’art contemporain 40mcube à Rennes.